Театр Российской Армии

С приходом нового художественного руководителя А. Лазарева мл. в театре началась новая жизнь. Появилось много новых лиц: режиссеров, актеров, инсценировщиков и тд; заработала Лаборатория фронтовой прозы и как следствие новые постановки.
Недавно состоялась премьера спектакля "Жила-была Клавочка " по одноименной повести Бориса Васильева. Действие нас переносит в 70е годы прошлого века, в бесполезную контору по отчетности отчетности. В ней -то и работает Клавочка. Спектакль о светлой, наивной душе, жаждущей любви, и холодном, равнодушном коллективе, где каждый несчастен по-своему. Противостояние добра и зла, маленького человека и бездушного коллектива.
Д. Минченок очень удачно переработал повесть в сценическое действо, опустив большую часть произведения и оставив только самую суть, соединив некоторые образы в один.
Если хотите хэппи энд, уходите в антракте) Шутка конечно, но с окончанием первого действия появляется надежда, что у Клавочки все наконец налаживается, брезжит счастливое будущее.
Но второе действие словно придавливает зрителя: тревожность так и витает в воздухе, мрачные костюмы, мало света, постоянные повторы "девушки у нас одни по вечерам не ходят"...
Постановка о женщинах и для женщин, о правде и неправде, о добре и зле, о месте подвига в обычной жизни.

«А зори здесь тихие», «Завтра была *****», "В списках не значился», пожалуй, самые известные повести Бориса Васильева. Про *****. Но мало выжить на *****, надо еще суметь выжить после.

«Жила-была Клавочка» это повесть Бориса Васильева о послевоенной жизни. ***** всех изменила, и в ***** все принимали непростые решения (ноль процентов осуждения), в том числе моральные выборы делали, а после очень хотелось жить «нормально», носить яркие платья, танцевать и все остальные лишения компенсировать.. И на 10 девчонок было отнюдь не 9 ребят, поэтому в каждом мужчине видели намек и повод на женское счастье. В таких реалиях и жила-была Клавочка. Недавняя школьница рано повзрослела, ухаживала за больной мамой, похоронила. И все что ей осталось, это материнские «заветы», которым она старалась следовать, пытаясь найти себя и свое место. Честная, наивная, добрая и такая светлая.. оттого так ужасает финал.

Вообще не только финал страшит, он даже в какой-то мере светлый, как освобождение. Коллеги и соседки по коммуналке такие же одинокие женщины, каждая со своей историей. И работают они в каком-то отделе учета статистики статистических отчетов, или как-то иначе, но таким же важным делом занимались.. а потом вдруг началась история, в которой все по кругу друг друга предают, пытаясь урвать немного выгоды. Вообще, конечно, хочется отметить роскошный каст на роли. Получились невероятные персонажи-женщины. И один мужчина на всех во всех ролях.

Единственный сильный и светлый персонаж кроме Клавочки в этой конторке - Липатия Аркадьевна в исполнении Инны Серпокрыл. И такая она прям символ получилась. Прекрасная роль до мурашек.
А невероятно харизматичная Наталья Лоскутова наделила такой мощью, властью, статью и обаянием начальницу Людмилу Павловну, что каждое появление ее на сцене зрители ждали. Оказалось, что обе эти заслуженные артистки, последние и любимые ученицы Анатолия Эфроса. А это знак отличия на всю жизнь.
Жанетт Гурская и Любовь Баленко - классные собирательные образы и такие взаправдашние!

Ну, и, конечно, Клавочка - Мария Белоненко. Эта открытость миру, желание жить по-совести и быть счастливой, да с пионерским задором.. я прям не могла разгадать, зачем авторам «убивать» веру в какую-то справедливость на земле и желательно в этой жизни. Вот чему история Клавочки, научит, допустим, молодых зрительниц, о чем заставит их задуматься.. ? И поняла, что как раз молодежи очень близко понимание влияние коллектива, про газлайтинг и ответственность каждого в этих групповых процессах. Не смотря на все глубокие смыслы, и непростые события, которые преодолевает главная героины - спектакль по всем законом - невероятно смешной. Про грустное через комедию.

Режиссер Арина Бессергенева сделала актерский спектакль по ее собственной формулировке. Там в самом деле актерские работы блестящие. Но и сценические решения любопытные. Так большое пространство сцены (которая только называется малой.видимо, по сравнению с основной сценой - которая самая большая в Европе) занято всего 5 столами и дает даже ощущение эха и звенящей пустоты. Коричнево-серое, холодное, казенное пространство. И рассказ Клавочки про распорядок рабочего дня идеально иллюстрируется визуальной картинкой на сцене. Столы исчезают и появляется коммуналка, с веселенькими желтыми в цветочек обоями, нарядными «девочками» и их такими узнаваемыми разговорами, будто из женских форумов списаных. Прям ситком, с анекдотами и песнями. Потрясающие поют, и музыка погружает. Разговоры про мужчин сменяются дракой за них. Ну как за них. За него. Одного. Один сантехник на всех. И надежда на счастье у каждой. Александр Рожковский - сумел сыграть сразу всех мужчин спектакля и при этом образы получись разные, и несмотря на легкий комедийный сюр все было очень точно. Думаю, что Александр обречен на зрительскую любовь в этой работе. Спектакль про женщин для женщин, а он там вишенкой его украшает.

Вообще, весь первый акт дает иллюзию легкого и комедийного вайба, несмотря на события. И это круто получилось сделать. А второй акт совсем другой. Пришло время столкнуться с реальностью и посмотреть на нее всерьез.

После пресс-показа была Q&A встреча с режиссером и автором пьесы. Дмитрий Минченок создал из повести Бориса Васильева сценарий для театра не просто так. Эта работа посвящение его жене - Ольге Дубинской, которая и была прототипом Клавочки.

Поздравлю театр с премьерой!

9 мая, в День Победы,посмотрела в этом театре спектакль по пьесе Виталия Павлова «Знамя Победа»?— глубокую, эмоционально насыщенную драму о последних днях ***** и решающем штурме Берлина. Действие разворачивается в апреле-мае 1945 года, и зритель оказывается в эпицентре событий, где до окончания ***** остался всего один шаг, но каждое сражение по-прежнему смертельно опасно.

Для режиссёра-постановщика Игоря Угольникова эта работа стала актом памяти и уважения прежде всего к своему деду, погибшему в октябре 1941 года под Москвой в рядах народного ополчения. Именно ему он и посвятил постановку.

В основе сюжета — реальные события последних дней *****, когда советские ****** штурмовали Рейхстаг. Мне понравилось, как в спектакле подсвечена конкуренция между бойцами: все понимали, что ***** вот-вот закончится, и каждый мечтал стать тем, кто водрузит знамя над поверженным Берлином.

Фактически над Рейхстагом было поднято несколько красных флагов, но в историю вошло Знамя Победы, установленное 1 мая 1945 года бойцами 150-й стрелковой дивизии. Однако до них свои полотнища пытались закрепить и другие группы, включая разведчиков 756-го полка под командованием капитана Степана Неустроева. Один из первых флагов поднял Пётр Пятницкий, но он не успел завершить свою задачу — был убит в бою.

Чтобы отразить мрачную атмосферу военного времени и динамику событий, художник-постановщик Анастасия Глебова создала интересную сценографию. В её основе — массивная вращающаяся металлическая конструкция, которая трансформирует пространство, превращаясь то в улицы Берлина, то в штабные помещения, то в поле боя. Благодаря этой задумке смена декораций происходит прямо на глазах зрителей, без остановки действия. Визуальный ряд выдержан в тёмных тонах, на фоне которых красные знамёна горят ярким пламенем.

Интересно, что традиционные сценические сражения здесь неожиданно заменены на пластические. Хореография Ольги Якименко в сочетании с работой художника по свету Андрея Абрамова придала ключевым моментам боёв кинематографичность — в кульминационных сценах возникает почти что эффект замедленной съёмки.

Сильнее всего в этом спектакле меня поразило хорошо переданное актёрами гнетущее ощущение приближения конца *****, смешанное с неизбежностью смертельной опасности. Кажется, ещё немного — и всё завершится, но именно сейчас, в эти последние дни, цена каждого шага становится особенно высокой.

Каждый актер воплощает на сцене реальную судьбу: звучат исторические справки о жизни и подвигах этих людей. Личные истории героев напоминают, что за великой Победой стояли миллионы простых, но несгибаемых людей. Они сражались с отчаянным упорством, понимая: смерть сейчас означает не увидеть тот самый мир, ради которого шли в бой четыре долгих года. Все они потеряли на ***** кого-то из близких, и каждое новое сражение становится одновременно борьбой за жизнь, выполнением долга и актом мести за тех, кто не дожил до Победы.

Потрясает и заключительный эпизод: на сцене появляется огромный экран, где строчка за строчкой идут имена погибших. Число жертв Великой Отечественной ***** — 26,6 млн человек. В финале актеры, игравшие реальных участников штурма (чьи биографии зрители узнали за время действия), передают Знамя Победы в зал. Огромное красное полотнище проносится над головами, и каждый может прикоснуться к нему рукой — словно к самой истории.

Выставка и "Король Лир"
27 марта 2025 в Театре Армии открылась выставка «Наследие Станиславского: Московский Художественный и Театр Армии».
На открытии выставки выступила директор театра Милена Авимская, а также старейшие актеры. Присутствовал и главный режиссер театра, Александр Лазарев.
Говорили о том, что МХАТ и Театр Армии – соединяющиеся сосуды. Актеры и сотрудники этих двух театров учились друг у друга, переходили из одного театра в другой, поддерживали дружеские связи и творческие обмены. Например, основатель Театра Армии Алексей Попов, ученик Станиславского и Немировича-Данченко, сначала играл во МХАТе, а потом, сделав широкий круг через провинцию, вернулся в Москву и возглавил только что созданный новый театр. И его сын Андрей Попов тоже начал свою карьеру актером во МХАТе, а потом стал руководителем Театра Станиславского. Еще одним именем, объединившим эти два театра, стал художник Иосиф Сумбаташвили, который оформил ряд постановок и там, и там.
Здесь можно увидеть интересные экспонаты: афиши, эскизы, сценические костюмы актеров. Выставка будет идти до 5 мая в Камерном Желтом зале фойе партера Театра Армии, ее можно посетить ежедневно с 12.00 и до окончания спектаклей.
А после открытия выставки мы побывали на спектакле «Король Лир». Он поставлен в Театре Армии совсем недавно, премьера состоялась год назад, в апреле 2023 года. На мой взгляд, эта монументальная трагедия сделана добротно и очень идет этому театру!
Наверняка, когда-то эта пьеса Шекспира была повествованием о неких исторических персонажах. Но с тех пор прошло четыре века, и сегодня эта история рассказывает о предательстве и верности, о ненависти и любви, о бескорыстии и скупости – и о том, как виртуозно злодейство может выдать себя за добро. И еще – о взаимоотношениях отцов и детей, о вечном противостоянии поколений, интригах в борьбе за наследство.
…Король хочет услышать от трех своих дочерей велеречивые признания в любви, и две старшие соглашаются угодить ему, а младшая отказывается. Получив требуемые признания, он слагает с себя корону и делит царство между двумя послушными старшими, отказывая во всем младшей.
И тут же эта схема повторяется в истории графа Глостера, когда делят отцовскую любовь и наследство старший сын, простодушный Эдгар, и младший, льстивый бастард Эдмунд. Старший не замышляет зла, и потому беспечен, а младший, расчетливый и злобный, придумывает и виртуозно воплощает хитроумный план предательства.
Во втором акте сухие, глухого серого цвета декорации сменяются бесконечными ночными просторами, по которым скитаются отвергнутый дочерьми король Лир с верным шутом, и ослепший лорд Глостер, которого ведет верный сын. Природа придает особую величественность и гуманистический смысл страданиям двух отцов.
И в последней сцене, когда в луче света остаются только Лир и его погибшая дочь, действие достигает наивысшего трагического накала. Он все понял, но, увы, слишком поздно, и ничего уже не исправить.
Сегодня, когда отношения вражды и дружбы в мире чрезвычайно обострились, разговор о верности и предательстве выглядит особенно злободневным. А в целом эта монументальная трагедия кажется просто невероятно подходящей как театру с его грандиозной архитектурой, так и нашему времени, когда жестокое противостояние опять стало реальностью.
Шекспир как бы напоминает нам всем – ненависть и вражда все равно проиграют, а любовь победит. НО, УВЫ, МОЖЕТ ОКАЗАТЬСЯ СЛИШКОМ ПОЗДНО…
Надо сказать, что главный человек на сцене этим вечером – заслуженный артист России Сергей Колесников, исполняющий роль Лира. Именно он передает все переживания человека, сначала совершившего ошибку, а потом постепенно осознающего всю боль потери. О такой роли, мне кажется, можно только мечтать любому актеру!
Роли дочерей исполняют: Гонерилья – Людмила Татарова-Джигурда, Регана – Елена Сванидзе, Корделия – Мария Белоненко. Граф Глостер – Константин Денискин, Эдгар и Эдмунд: Дмитрий Оболонкин и Дмитрий Ломакин.
Режиссер – Андрей Бадулин. Художник-постановщик – Мария Вольская.
Очень рекомендую посмотреть этот спектакль, если вы не боитесь трагедий и уважаете философский подтекст в театральном действе! Будет о чем подумать…

Недавно попала на премьеру в Театр Российской Армии - "Прощай, конферансье!". Когда шла, честно говоря, знала только, что эта постановка появилась в преддверии 80-летия Великой Победы, и что когда-то, лет сорок назад, спектакль по этой пьесе Горина шел в Сатире. В общем, без особых ожиданий шла, честно скажу. А оказалось...
Жанр указан как "трагикомедия". И это действительно так - весь спектакль сидишь с улыбкой, хоть и под конец уже сквозь слезы практически. Удивительный спектакль создал режиссер Юрий Маковский! Обманчиво простой. Что, казалось бы, такого - мы увидим всего лишь небольшой отрезок жизни конферансье... Вот только это - 1941, совсем немного до страшного июньского дня, и много - после.
Главный герой - Николай Буркини ( Артём Каминский). У него есть жена, внук и дело жизни - он "потомственный конферансье", человек, который всю жизнь шутит, веселит народ, ловко управляет эстрадными концертами, может сплотить артистов и решить, кажется, любую проблему. На наших глазах у Буркини появляется поклонница - чудесная 16-летняя девочка. Видим, как он бросается поддерживать друга - писателя Лютикова, про которого появилась разгромная статья в "Вечерке".
А вот уже очередной концерт вынуждены остановить, антракт. 22 июня, не до концертов, стреляют. Все для фронта, все для Победы - и эстрадные артисты, кажется, самые не воинственные люди, спешат на фронт... с концертами. Поддержание боевого духа, шутки, эстрадные номера - это все необходимо и во время военных действий. Дальше - героическое, очень простое, человеческое. Просто люди, просто долг, просто подвиг.
Не могу не восхититься работой Артема Каминского! Кажется, что он не играет, а буквально превращается в Николая Буркини. Удивительно сильного, доброго, скромного, какой-то невероятной выдержки человека. Который просто шутит - и этим поддерживает, утешает, дарит надежду, просто позволяет на миг забыть про настоящее и улыбаться. Шутит до последней минуты - он же человек-праздник...
Очень сложное ощущение - с одной стороны, мы зрители и просто смотрим спектакль, с другой - главный герой, кажется, ведет с нами диалог, не то чтобы разрушая четвертую стену, но делая ее проницаемой, как портал между мирами. Как будто дает нам возможность, не выходя из зрительного зала, оказаться там, в 1941, чувствовать в проживать это вместе с артистами эстрады.
Художник-постановщик — Анастасия Глебова, она создала очень точное, лаконичное пространство, которое практически не меняется. Все здесь - условность: появилась афишная тумба - улица, появился стол - квартира, нет ничего - лес. Как ни странно, это идеальное решение, позволяющее сосредоточиться на людях. Вообще именно этот спектакль почему-то напомнил мне атмосферой хороший старый советский фильм - эпизоды, крупные планы...
Энергетика у спектакля невероятно сильная и, несмотря ни на что, светлая. Это прекрасный спектакль про сильных людей. Без лозунгов, агитации, без экшена и спецэффектов. Просто жизнь - какая она была. И какая она есть. Этот спектакль – посвящение 19-ти фронтовым бригадам, прошедшим Великую Отечественную *****, дань памяти всем артистам, ушедшим на фронт.

Спектакль «Роман» в Театре Армии восхитителен!

Почитала разные отзывы, даже могу понять, почему некоторым резко не нравится, но сама осталась при своём мнении.

Это действительно один из лучших спектаклей, которые мне доводилось видеть в театре. Уж точно самая эффектная постановка по «Мастеру и Маргарите».

Максим Аверин настолько вживается в роль, что через минуту забываешь, что это артист, остаётся только его герой. Который, раскрывается в самых неожиданных моментах перед нами, зрителями.

«Неожиданных», потому что, кажется, никто ещё ни разу не брался за это произведение с точки зрения истории Понтия Пилата. И получилось удивительно!

Про использование мощностей театра уже много написали, про сценографию тоже. По мне, она отлично передаёт суть происходящего на сцене.

Мечтаю теперь увидеть этот спектакль вновь, с Балуевым в главной роли.

Театр Ленком переехал в Театр Армии. "А что все-таки если бы..." — "РОМАН" Александра Лазарева


Булгаков загадал великую загадку. «Мастер и Маргарита» - роман, похожий на магический кристалл, сколько не вглядывайся, не вчитывайся в него, всегда молнией сверкнет новая грань и откроется новое понимание ускользнувших от внимания вещей. Великое произведение, которое множество людей способно зачитывать наизусть по памяти, и множество раз пытались запечатлеть на кинопленке и ставить в театрах. Александр Лазарев, ученик Марка Захарова, художественный руководитель Театра Армии, тоже решил рискнуть и взял самые сложные, самые трансцендентные страницы романа и поставил свой «Роман» - спектакль не про развлечения нечистой силы, посетившей Москву, а про извечную страшную борьбу Света и Тьмы. Благо в его распоряжении самая большая в стране театральная сцена, звездные актеры, блестящая творческая команда, и Марк Захаров за правым плечом.

Перед режиссером стояла одна важнейшая принципиальная проблема – как изображать Воланда? По сути, этот персонаж не сделал ничего плохого, он всего лишь как будто бесстрастный наблюдатель, и даже как будто вполне справедлив и добр. Но именно в этом-то и загвоздка, когда создаваемый образ зла отрывают от его истинной сути, выхолащивая, создавая ему противоречивый ореол и придавая даже некую симпатичность, обаяние тьмы.

Воланд в спектакле – страшен. Никаких заигрываний с эмпатией, никаких бездумно повторяемых клише и подведенных черным глаз. Воланд в спектакле – воплощение древнего зла, которому тысячи лет. Хищный облик магрибского колдуна, синие вены, которые просвечивают через старческую пергаментную кожу, крючковатый нос, тяжелый взгляд убийцы, черные длинные когти, черный мешковатый плащ-клобук, разве что копыта и хвост не торчат из-под него. Нет, мессир в спектакле – самый настоящий Он, Дьявол - зло настоящее, а не выдуманное художественное. Александр Домогаров в этой макабрической роли неузнаваем, он буквально растворил себя, изменив даже голос.

Кульминационный взрыв в спектакле вовсе не казнь Иешуа, как можно подумать, а момент, когда Пилат называет толпе имя помилованного. Ему нужно произнести это имя, выговорить его онемевшими губами, вытолкнуть языком изо рта, тогда как все его нутро корежит в судорогах сопротивления. Не имя невинного, а имя разбойника, имя преступника Вар-Раввана, которое требует назвать подкупленная толпа. И он его произносит. Всё. Ядерная вспышка, зрители слепнут на мгновение – и наступает тишина.

Ощущение непоправимости совершенного – как невыразимо сложно играть это состояние Максиму Аверину. Его Понтий Пилат персонаж неоднозначный, проклятый христианами, в эфиопской церкви он почитается святым. Грех трусости, на который ему указал Иешуа, он пытается искупить кровью Иуды. Договориться с Каифой не получилась, он проиграл, он, пятый прокуратор Иудеи, испугался, что погубит свою карьеру. Но, по крайней мере – попытался…

Еще два атланта, которые подставили плечи – Андрей Кайков (Каифа) и Николай Козак (начальник тайной стражи Афраний). Безупречно сыграл Кайков мерзавца Каифу, зловещую фигуру, выступающую из сумрака. Персонаж Николая Козака, напротив, возвращает Каифе испачканный кровью кошель Иуды и брезгливо выбрасывает дорогую награду, полученную от Пилата.

Важно заметить, что изначальный режиссерский концепт заключается не в том, чтобы посредством выбранных страниц романа театрально разжевывать, что произошло в Ершалаиме. Лазарев просто дает зрителю прочувствовать, как с него сдирают кожу в сцене распятия Иешуа. Как меняет душу трусость, и в какую тьму уносят тридцать круглых кусочков серебряного металла.

Присущую всем творениям Захарова исключительную музыкальность, Александр Лазарев перенес в свой спектакль. Под гипнотическую музыку Николая Парфенюка хореографическая труппа (а танцоров много на сцене, порядка 60 человек), изображающая темный мир пороков и страстей, движется с какой-то потусторонней грацией. Визуальный стиль спектакля превосходен.

А все-таки, воскликнет нетерпеливый читатель, где же Маргарита, где же Мастер?
Спешу успокоить – всё будет, нехорошая квартира и вся свита, больное колено Воланда и ультразвуковой вопль Фриды, которой возвращают платок, Мастер и Маргарита, и даже всадники на конях будут, усугубляющие апокалипсическое ощущение. Сожженный роман вновь обретет бумажную плоть, а Пятый прокуратор Иудеи обретет покой, камень с его души будет снят и он отправится гулять по лунной дорожке с
бродячим философом по имени Га-Ноцри.

Бесконечно ликую, что спектакль «Роман» состоялся, получился целостным и симфоничным, страшно злободневным, живым и очень настоящим. Как в романе. Как в Ленкоме.

И все-таки, а что, если бы Пилат назвал другое имя?...

Режиссер Лазарев поставил недописанный «Роман» в романе «Мастер и Маргарита» — о Понтии Пилате, потому что эту «поляну» не приходится ни с кем делить.
Ну а всё, что связано с «М и М» (или скажем, с Сирано де Бержераком) обязательно к просмотру.
А спектакль сделан так, чтобы о нем говорила театральная Москва. Хороший или нет, но — чтобы был на слуху (как в свое время «Гример»).
Ну вот зачем после голгофской смерти на сцену через (обычно закрытый) танковый вход выезжают четыре всадника из «Откровения Иоанна Богослова» (причем все на вороных конях, так как белой лошади у них для нас нет)? Никакой сценической нагрузки они не несут. А как раз для того, чтобы каждый критик написал об этом.
Или зачем шестьдесят танцующих на сцене юношей и девушек? Правда, в некоторых случаях они несут сценическую нагрузку. Так подтанцовка изображает толпу, которая кричала: «Распни!», но в данной пьесе кричит, обращаясь к Пилату: «Имя?».
Но лучший их номер — первоначальный момент их появления на сцене, когда Воланд берется почитать роман, и вместо комнаты-шкатулки, где нечисть отгораживается от мира, происходит переход на два тысячелетия назад в Ершалаим.

Гигантский камень, под которым сидит Понтий Пилат (он есть на афише), символизирует гигантский груз его решения, ну и Голгофу заодно.
Понтия Пилата я увидел в исполнении Максима Аверина, который не просто хорош, а оригинально хорош. Его дублер — Балуев. Но именно лицо Аверина на обложке программки. Кстати, театр любезно указывает на сайте, в какие дни кто играет главного героя.
А главный герой тут именно Пилат, но никак не Иешуа.

Воланда играет Домогаров, артист, о котором давно знают даже в Иркутске, но мне в Москве довелось впервые его увидеть. Хорошо загримирован и перевоплощается, ничего не скажешь.
Но люди не должны играть сатану и Христа — и это не я придумал, это убеждение многих актеров.
Как теперь эта роль повлияет на Домогарова? Пел себе Вертинского и вот вернулся в театр Армии, где начинал. Один актер в театре МГУ сыграл дьявола и вскоре его карьера поперла вверх (он зовется Алексеем Кортневым, если что).
А на сцене вовсю разыгрывается евангелие от сатаны, где Иешуа га-Ноцри заискивает перед прокуратором Иудеи. Ничего похожего на реальные события, но всё же — по мотивам реальных событий, что суть испытание на пластичность психики, а у кого-то и на пластичность мировоззрения.
Но Булгакова Иисус забрал из жизни в Прощеное воскресенье 1940-го года. Может быть Он простит и многочисленных участников описанного грандиозного действа.

О событиях четырнадцатого числа весеннего месяца Нисана мы знаем из Нового Завета, они описаны в романе Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита», а теперь именно о них поставлен спектакль «РОМАН» в театре Российской армии.
Главный режиссер театра Александр Лазарев из вceх cюжeтных линий poмана Михaилa Булгакoвa cocредoтoчилcя нa oднoй, нaзвав ee «истopией Пoнтия Пилaтa».
То, как воплотил на сцене образ Понтия Пилата Максим Аверин, coвершеннo нeпохoжий нa ceбя в этoй знaкoвой poли, зacлуживaeт caмых высоких оценок!!! Сначала его Пилат предстает перед нами с закаменевший маской на лице, а потом, без использования каких-то специальных эффектов, лишь одними глазами, артист передает все душeвныe муки, боль и стpaдания своего персонажа.
А появляется он перед зрителями спектакля, как и описано в романе, «в белом плаще с кровавым подбоем…»
Труднo пepeценить paботу художникa-пocтановщикa спeктaкля - Oльги Никитинoй (oнa жe худoжник пo кocтюмам). Она сдeлалa oснoвным элeмeнтом cвoeй cценoграфии cимвoл Души Пoнтия Пилaтa - oгpoмный кaмeнь, чтo и виcит нaд ним, и нaхoдитcя внутpи нeгo, а c пoмoщью cвeта сoздается впeчaтлeние, чтo oн будтo вpacтает в нeгo, cтанoвясь егo чacтью. Кровавым же подбоем плаща прокуратора у Ольги служит запекшаяся кровь…
Весь творческий коллектив cпектакля, включая технические службы, обеспечивающие безотказную работу наисложнейшей сценической машинерии, проделали свою работу на высшем уровне и то, как принимала спектакль публика, свидетельствует, что «овчинка выделки стОила»!!! Я впервые не смогла сделать фото/видео поклонов, потому что весь зал в финале встал в едином порыве!!!

Довелось побывать на пресс-показе перед премьерой спектакля "Роман", поставленного по "Мастеру и Маргарите" Александром Лазаревым-младшим. В этой постановке он впервые выступил как режиссер. Спектакль раскрывает ту сторону истории о Мастере и Маргарите, которая обычно почти ускользает от внимания зрителя.
На сцене в полумраке – усталый Воланд в кресле, в халате, Гелла, растирающая ему колено, вся его компания, в которой особенно заметен взлохмаченный джентльмен во фраке, похожий на кота. И Маргарита в элегантном бальном платье. Видимо, только что закончился бал, и Воланд отдыхает. Он спрашивает у Маргариты, какой награды она хочет, и после обязательного эпизода с Фридой и ее платком Маргарита признается, что единственное, чего она желает – это вернуть Мастера. И вот он уже появляется, испуганный, замученный и бледный, в больничной пижаме. А вслед за ним появляется и его роман – ведь «рукописи не горят». И все, что следует далее – это и есть содержание великого романа. История о прокураторе и заключенном. Прокуратор сидит в углублении в огромном вертикально стоящем булыжнике. Что это: символ власти, крепкой как камень, но стоящей на неустойчивом основании, или символ холодного каменного неуюта и одиночества на вершине власти? И вот к прокуратору, сидящему на своем каменном троне (Максим Аверин), приводят недавно арестованного Га-Ноцри, который смущал народ на рынке непонятными речами.
И далее разворачивается вся известная каждому история двух людей – одного, идущего на мучения и смерть на кресте, и другого, мучительно сочувствующего, но неспособного отказаться от своего места на вершине власти ради истины.
В истории участвует и народ – танцующая и шумная толпа, которая периодически появляется на сцене. Его боятся, и этим страхом обосновывают необходимость казни.
Сцена казни – это апофеоз, вершина постановки. На заднем плане вздымается множество крестов, на фоне которых поднимается огромный главный крест. Больше всего воображение зрителей в этой сцене поразили четыре стражника на живых лошадях. Лошади вели себя вполне дисциплинированно, правда одна справа слегка нервничала и перебирала ногами. Но всадник с ней справился.
И вот роман подходит к своему финалу – и прокуратор, наказанный долгим одиночеством и тоскливым ожиданием всего лишь за минутную трусость и боязнь пойти против высшей власти и толпы, наконец получает прощение… В этот момент в зале многие рыдали, да и меня слезы текли.
Спасибо за прекрасный спектакль, который послужит украшением репертуара театра!